Nun könnte man dieses Phänomen eines spartenübergreifenden, multimedial arbeitenden Künstlers, der über die Präsenz seiner Arbeiten in den sozialen Netzwerken taktiert, als selbstkritisch deuten. Dem Titel der Ausstellung zufolge, wäre dieses Vorgehen aber mit Sicherheit auch als Zeichen unserer Zeit zu untersuchen. Doch während die Arbeit im Museum selbst unkommentiert bleibt, ist auf der eigens zur Ausstellung kreierten Webseite (auch interessant!) ein von Johanna Adam verfasster Text zu lesen, der Shrigleys Arbeiten schlichtweg unreflektiert genialisiert. Nachdem u.a. der Künstler John Andrew Perello 2017 für LVMH Henessy Flaschenlabel gestaltete, die Rapper Kanye West und Jay-Z im Museum of Modern Art New York auftraten, Banksy auf einer Auktion ein Bild schreddern ließ, 2004 Tracey Emin Taschen für Longchamp kreierte und sogar schon Salvador Dalí mit Elsa Schiaparelli zusammenarbeitete, erscheint ihre These, dass es „wohl nicht viele Künstler gibt, deren Werke einerseits in Museen, Galerien und auf Kunstmessen zu sehen sind und gleichzeitig bei einem Modeund Lifestyle- Label zum Verkauf angeboten werden“³, ziemlich gewagt. Und selbst wenn, gilt dies als Kriterium für einen guten Künstler? Es ist einfach „Hierarchien in Frage zu stellen“⁴, wenn man sich selbst gekonnt in Ihnen bewegt. Und es bleibt fraglich, inwiefern der Künstler „die Regeln, die ihm der Kunstbetrieb immer wieder vorzugeben versucht“⁵, tatsächlich „aufs Korn nimmt“ oder auf diese Weise eben gut getarnt befolgt. Dabei ist es die Aufgabe der Kunstwissenschaften diese komplexen Zusammenhänge zu kontextualisieren und aufzuarbeiten. Zum einen, um den Werken die Tiefe zu geben, die sie verdient haben und zum anderen, um Diskurse herzustellen, die freies und autonomes Denken aktiveren und somit performatives Handeln generieren können. Ein Lichtblick der Ausstellung ist hingegen die Einbettung der Arbeit „Empathy I, von Simon Fujiwara. Der Künstler hat dafür ein Simulatorkino konzipiert, in dem man zu zweit Platz nimmt und für eine Dauer von 3.49 min vor einem übergroßen Bildschirm zu einer extrem schnellen Bildfolge aus gefundenen Youtube Videos durchgerüttelt wird. Dadurch entsteht eine Intensität, die die Teilnehmer*innen direkt körperlich betrifft und Emotionen, wie Angst, Spannung, Erschöpfung und Lust auslöst. Virtuos reflektiert Fujiwara damit die Energie unseres Zeitgeistes. Die Geschwindigkeit mit der die einzelnen Bilder aufeinanderfolgen führt dazu, dass man sich am Ende der Simulation zwar kaum noch an einzelne Bildinhalte erinnert, aber unterbewusst einige Motive abrufen kann, die körperlich wie geistig besonders spürbar waren. Auf diese Weise macht der Künstler deutlich, wie brutal der schnelle und einfache Umgang mit der enormen Fülle an Bildmaterial, die wir tagtäglich konsumieren, eigentlich wirklich ist und hält uns mit den Mitteln unserer Gegenwart die Gegenwart vor Augen. Ebenfalls gelungen ist die räumliche Nähe von „Empathy I“ zu „The Blind Leader“ von Rachel Monosov. Beide Arbeiten intendieren eine deutliche Betrachterinvolvierung, die aber jeweils ein ganz unterschiedliches Einlassen auf die Kunst erfordert. Während Fujiwaras Arbeit die Rezipient*innen beinah aggressiv bedrängt, laut und schnell ist, wird man bei den Werken Monosovs auf das Innehalten und Aushalten zurückbesinnt. Unklar ist allerdings, warum ihre Installation nur zu ausgewählten Uhrzeiten performativ ist, indem Mitarbeiter*innen des Museums die Besucher*innen im Umgang mit den einzelnen Arbeiten anleiten oder zwei Performer*innen ihren Gebrauch vorführen. Nach 16 Uhr unterliegt die Arbeit den Restriktionen des Museums und darf nicht mehr berührt werden. Diese Transformation von einer performativ angelegten Installation, die eine Betrachterinvolvierung erfordert, in einzelne Objekte mit evtl. performativem Gestus, die sich nun wieder deutlich von den Rezipient*innen distanzieren, wirft die Frage auf, was die Ausstellung eigentlich erzählen möchte.

Demzufolge ist die Ausstellung „State of the Arts“ als Versuch zu deuten, der in sich Bestand hat, aber auch klar macht, dass der Umgang mit performativer Kunst und den damit einhergehenden Infragestellungen und Umstrukturierungen tradierter Gattungsgrenzen, ohne komplexe Denk- und Untersuchungsstrategien nicht zu bewältigen ist. Um das Wirkungspotenzial performativer Kunst, das sich zumeist prozessual in Raum und Zeit entfaltet, überhaupt erkennen und herausarbeiten zu können, muss deutlich gemacht werden, dass die Entstehung des Kunstwerks von vornherein dem Prozess stetiger Selbstreferenz und kritischer Selbstreflexion zu Grunde liegt und eben als solcher betrachtet werden muss. Das heißt, der prozessuale Charakter des Werkes muss über das Resultat hinaus erscheinen, um die distanziert beobachtenden, prinzipiell passiven Betrachter*innen, in das Werk miteinzubeziehen und damit die vielschichtigen Wahrnehmungspotenziale des Menschen überhaupt ausloten zu können.

Doch so wie die Ausstellung aufgebaut ist, entsteht kein übergeordneter Zusammenhang. Ein diskursives Narrativ fehlt gänzlich. Man hätte erwarten können, dass das relationale Wesen performativer Kunst durch die Thematisierung der Bedingungen der Möglichkeiten von Raum und Zeit bereits im Ausstellungsdisplay angelegt ist. Besonders dann, wenn laut den Kuratorinnen mit „State of the Arts“ die Tendenz zur Auflösung und Verschmelzung unterschiedlicher Kunstrichtungen nicht nur als Statement, sondern auch als Fragestellung postuliert werden soll. Auch, wenn undurchsichtig bleibt, was die Besucher*innen erfahren sollen, ist die Ausstellung ein sehenswerter Beitrag, der aktuelle künstlerische Positionen vereint, die dann weitergedacht werden können. Und vielleicht ist das fehlende Narrativ und die daraus resultierende Zusammenhangslosigkeit in der die Werke wirken, genau die Antwort und das „State of the Art“, was unsere Zeit gerade erlebt.

Neben den bereits genannten Künstler*innen, sind ebenso Werke von Simnikiwe Buhlungu, Raphaela Vogel, Dries Verhoeven, Begüm Erciyas und Gisèle Gonon ausgestellt.

Die Ausstellung „State of the Arts – Die Verschmelzung der Künste“ ist noch bis zum 16. August in der Bundeskunsthalle Bonn zu sehen.