Vom 22. Juni bis zum 28. Oktober 2022 war „Iron Waterfall“ von Marko Markovic in der Sammlung Friedrichshof Stadtraum in Wien zu sehen. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marcello Farabegoli.

Die Arbeiten von Markovic, der 1983 in Kroatien geborgen wurde, sind eine radikale Auseinandersetzung mit den schwierigen Lebensbedingungen seines Heimatlandes sowie mit seiner Erfahrung des Jugoslawienkrieges. Ausgehend von seinem Studium der Malerei an der Akademie der bildenden Künste in Split, hat seine künstlerische Praxis eine Sprache entwickelt, die auf allen Ebenen aktionistisch-performativ anmutet und heute aktueller denn je ist.

Superpopp hat mit dem Kurator sowie mit dem Künstler selbst gesprochen, um so die umfassenden Arbeiten des Künstlers und die gemeinsame Zusammenarbeit mit Marcello Farabegoli besser zu verstehen und auch außerhalb der Ausstellung zu präsentieren.

Marko Markovic

Dear Marko,
Because your works are shown in Vienna, more specifically in the Stadtraum, I have to ask about Viennese Actionism at the same time. Do you have a connection to this movement? If so, how is it expressed artistically?

In June 2022 I showed my solo exhibit ion at Stadtraum Sammlung Friedrichshof under the title “Iron Waterfall” resembling the idea of the power related concept of the iron curtain, curated by Marcello Farabegoli with whom I had an excellent and very professional work on this project I am very satisfied with the collaboration with Stadtraum Sammlung Friedrichshof and with Hubert Clocker who recognized and supported this challenging project. Connections but also time based differentiations in my work correlating with Viennese Actionism were thor oughly investigated by Eva Badura Triska, former curator of mumok and specialist for the Vienna Actionism archives. In October 2022 in Stadtraum, an artist talk took place between Eva Badura Triska and myself in the discussion on 1960es actionsim and its m eaning today considering artistic practice in spheres of historical, political, and performative engagements. It was an interesting correlation towards my works presented in the exhibition which opened a new space for dialog expanding the concept.

Connections are coming back from 2016 when Eva Badura Triska and I curated an exhibition of Vienna Actionists in Split as we saw the connections between artistic scenes of Austria and Croatia. Further, in 2017 we presented actionists in the Museum of Modern and Contemporary Art in Rijeka with DOPUST/ Days of open performance international festival of which I was artistic director from 2008 to 2018.

Today as well, it is in my interest to follow the performance art scene in many directions, to search for new pe rformance practice, and constantly discover what performance is.

Since I was starting with the performance in 2005 till now I have involved myself in much as possible performance branches so I could gain experience and learn how to control performance. Actionism, body art, happening, intervention in public space, situation, ambient, durational, and time based performance, were all challenges that I was learning about the possibilities and the limits of my body and my mind.

Performance from my point o f view is a very complex medium and if you do not know what you are doing it can easily eat you alive. Regarding such a statement I have a lot of respect for performance as a medium and towards people who are doing this professionally.

Radical body art practice from my perspective is a strategy of communication towards the public space dealing with the questions of the environment and the living conditions from where identity is shaped. If you are brought into a comfort zone society like Vienna is today, you will create nice art and if you are experiencing a violent society you will discuss the environment in the forms of radical art as actionists were as a reflection on the brutal reality of second world war and post war trauma.

The contemporary art scene of Yugoslavia in the 60es talks as well about political circumstances but from another perspective than the Austrian scene, more expressing the political body as a revolutionary segment further exposed by performance pioneers, especially in Croatia.

My connection with Vienna Actionism is discussing the topics of violence caused by war and post-war periods. Austria and Croatia as well as the rest of the region have had political and social power relations from the time of Austro Hungarian Monarchy, over the 1st WW - 2nd WW, and also further in the Yugoslavian war in the 1990es. These corresponding positions as confrontations or collaborations are historical facts and art is dealing with history, its facts, and its revisionism. Streams what Actionsts called social taboos of post-war isolation of Austria in international relationships, today are obviously different and are concerning art methods discussing culture, capital, and the corporate and monitory sector in the regions of Central Europe and South East Europe.

In my art, I am resonating on such individual experiences expressed as an observation on different systems from Social Communism and transitional times towards Neoliberal Capitalism with changes of the mindset as a collective memory.

The changes in art are evident according to the changes of the time and actionsim in the context of today is related to the organization as artistic and performative communication strategies towards society. For me, performance art is strategic action in communication towards the public space.

"Freelance and being an independent artist is my job, as for many other artists who struggle on daily basis."

What role does the feeling of fear play - especially in your performances? And by that, I mean specifically your fear. In part, performances are dangerous, as in the works "Selfeater / Injury at the work" or "Southeast sadness in Central Europe".

I think the ultimate fear of humans comes from the experience of war, people who went through the war know what it is, and it stays in people forever. In war zones, common people often turn into beasts mainly because of trauma and revenge. In extreme situations, like war people can learn a lot from fear, the fear makes them sharp, precise, focused, and fast in thinking to resolve situations in order to survive extreme conditions. If the one embraces fear as a component of survivor instinct the psychology can be reversed and used as a tool of self-defense like a radar navigating through critical and dangerous situations. Such experiences I was channelizing through art and for me, this was a way out from the critical environment coming from the war experience.

Performance Selfeater/ Injury at the work talks about existential positions of individuals, in my case freelance artist, where I bit myself repeatedly and further try to challenge the medical system by observing if I will get the sick leave benefits because of the injury, like any other worker who got injured at their job. Freelance and being an independent artist is my job, as for many other artists who struggle on daily basis.

“Southeast sadness in Central Europe” reflects on the transitional times (90es) of the region where I’m coming from and my transnational relocation regarding such living circumstances from Southeast Europe to Central Europe. This is an intimate performance that relates to the collective memory of what many people can relate to.

In the performance, I am consuming the flowers and my body gets affected by the enzymes entering the organism. From the beginning till the end of the performance my body is changing, my face is changing, and going through the transition stages of shivering and cramping. These appearances of the performing body are influencing the audience by triggering the (MNS) Mirror Neuron System network in the Cortex of the observers (of so-called empathy neurons) and people in the audience start to feel nausea as the effect of a psychosomatic reaction. This piece was performed in my home city Osijek (Croatia) and after Prague Biennale this year, it will be exhibited at the 28th Slavonian Biennale in the Museum of Fine Arts Osijek, Croatia.

Do you feel fear during the performance? Fear of yourself? Of the reactions of others? Fear of pain?

The physical and psychological aspect is definitely present in the body art performance practice which is challenging the limits of the body and the mind. It is important to have thorough preparation, especially when performing body art. In such performances, I do challenge myself but also I try to challenge people's opinions as well. Reactions to certain performances can tell a lot about the mentality of the audience depending on where the performance takes place. Often provocative performances have an effect that can even last for days and even months after the performance to which people are reacting.

I had an experience in the city of Split where I was performing very loud moaning at the center promenade where people got provoked and started to throw eggs, ice cubes, and rocks at me. The group of eight young men wanted to physically attack me but luckily it didn’t come to that point. After the performance, there were a lot of violent comments and hate speech on internet news portals and social media that continued for months. Finally, even the Croatian Minister of Culture announced the comment on the violence escalation and the attack on my behalf. Imagine if I would do a such performance in Vienna, what would be the reactions? Imagine if I would do a such performance in San Salvador, what would be the reaction?

Every person who is engaging in performative actions in public space needs to be ready to take the fire, reactions, and confrontations coming from audience and authorities – positive and negative.

"When communication happens and you can feel the connection this moment means you are in the performance."

Do you think your audience is afraid? What can fear do during the viewing of art?

I think performance is not a creation of one single person performing - meaning artist. Performance is mutual communication between the performer and audience, there are many factors influencing the development and outcome of the performance. It is important to know where what and at what time you should perform certain statements as not all of the audience relates and interact in the same way. Also, not all performers can cope in the same way with certain performances. When communication happens and you can feel the connection this moment means you are in the performance. Performance can be very unpredictable, for me, this is also the fun part, where you find yourself in an unexpected situation. This brings adrenaline to a higher level and opens a space for expansion and improvisation, of course, it’s important to know how to control this and be ok with improvising situations.

I am thinking of many aspects while constructing the performance, such as target groups, content, current time, politics, locality, and social background and environment – meaning to whom I want to direct the performance and how will this affect the ones that I am addressing or engaging with.

It is a big responsibility to understand such behavior towards ourselves and towards others, because with performances we are sharing experiences and we should be aware that people take this experiences with them after the performance is finished.

How essential is the feeling of pain in the production and reception of art?

From my understanding, extreme body art practice or any other practice that involves fear and pain towards the production and reception of the art or any other kind of manifestation should be highly aware of its own actions and consequences.

In production, the fear factor can be used as means of manipulation in favor of exploitation, which frequently comes from privileged positions. It is important to recognize such behaviors and act.
All of your drawings, sculptural, and performance works seem sculptural. Do you have a definition of sculpture that is reflected in your works?

I am coming from a visual and fine art background and for me, performance as a medium definitely has a monumental appearance. I consider the performative body to be a political body and, in that way, I construct sculptures to be performative as well. It is how I have designed the sculpture Iron Waterfall that has a monumental appearance because of the weight of the iron, but also transparent and light manifestation with small metal pieces connected to each other in curtain-shaped stripes which are reflecting the light on the movement by creating an optical illusion of lightness and levitation. I like to have ambivalence in the content and the material as well.

"Art is documenting the changes of the time and by its means is changing as well in many cases through innovative experimentations combining different media and professional backgrounds like art and science."

Personally, I'm fascinated by your very radical approach to your own body. You actually rarely see that in the performative works of younger artists today. The radical treatment of the body took place primarily in the performances of the 60s and 70s. At that time, it was often a matter of protesting in this way against hardened power structures and social and political norms. This is obviously also the case in your works. Can you explain why so many contemporary works are now less radical in their treatment of the body? Why is actual pain so rarely addressed?

With radical body art performance practice, I have used the body appearance as a protest strategy that was very visible in the public and media because of its shocking character. In a such way through the media and interviews, I could discuss relevant problems of the society and in my environment happening at that time. This was expressed in the series of actions and performances called Selfetar where I consumed my blood, skin, and flesh. These intimate protests were registered as auto cannibalistic performances by Suzana Marjanić from the Institute for Folkloristic and Ethnography in Zagreb and the author of the performance encyclopedia Chronotope of Croatian performance - From Traveler to today.

There are different artistic and intellectual scenes depending on the geo political localities. Art from 60es and 70es is dealing with the body according to its own time which was different in terms of living standards, social environment, technology, and production possibilities. The era of the 1990es and 2000s is a transitional time when living standards are obviously changing and entering more developed technological times in digital transformations and communication expanding on the global level. Art is documenting the changes of the time and by its means is changing as well in many cases through innovative experimentations combining different media and professional backgrounds like art and science.

In that sense, the performative body from a technological perspective is shapeshifting into the digital body and we come to a phenomenon where mass of people are constantly performing on social media. It is a different time and the sensibilities in arts are different which is form my opinion good as younger generations do recognize their relevance in society just like the pioneers recognized their own positions. Expressions are different because of different life circumstances and I see this it as a natural evolution.

I wouldn’t say radical performance practice is not diapering, it is changing. I can evaluate it on the economical level with countries or societies living in the comfort zones like Central Europe or the ones more unstable as South East and East Europe. If you compare the art scene of Europe and the art scene of Latin America and people who are literally fighting for survivor you would defiantly see the contrast in radical and non-radical artistic expressions.

Are there no longer any taboo boundaries, or just far too many that no one dares to break?

Today, I have a feeling there is a lot of auto censorship and this is what I consider to be a taboo.
Marković hat einen Masterabschluss in Kunst & Wissenschaft von der Universität für angewandte Kunst Wien und arbeitete später in derselben Abteilung als Programmkoordinator für die Europäische Kulturhauptstadt Rijeka 2020. Er war Gastdozent an der UDK Berlin, am IZK/Institut für zeitgenössische Kunst Graz, an der Academy of Ars Zagreb und an der Universität für angewandte Kunst Wien sowie unabhängiger Kurator in Zusammenarbeit mit dem Museum für moderne und zeitgenössische Kunst Rijeka und dem mumok — Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien.

Marcello Farabegoli

Lieber Marcello,
Wie ist es für dich als Kurator mit Marko Markovićs zu arbeiten, eine Position zu präsentieren, die auf verschiedene Art und Weise so sehr radikal ist?

Liebe Julia, die Radikalität in der Kunst von Marko Marković ist einer der wesentlichen Gründe, warum ich mich entschieden habe seine Arbeiten auszustellen. Seit dem Frühjahr 2020 bin als Kurator an der Sammlung Friedrichshof tätig, d.h. eine der umfangreichsten privaten Sammlungen von Arbeiten der Wiener Aktionisten aus den 1960er und frühen 1970er Jahren. Wie Du weißt, hat die Sammlung Friedrichshof unter der künstlerischen Leitung von Dr. Hubert Klocker Einzelausstellungen und Publikationen für wichtige internationale Wegbegleiter*innen der Aktionisten wie etwa Allan Kaprow und Carolee Schneemann sowie auch für bisher in Österreich nicht so präsente, aber im performativen und inhaltlichen Bereich korrespondierende Positionen wie etwa von Paul McCarthy, Ion Grigorescu oder Bjarne Melgaard veranstaltet. Bislang habe ich im Museum am Friedrichshof gemeinsam mit meinem jüngeren Kollegen Antonio Rosa de Pauli die Ausstellung „Wiener Aktionismus – Wege zur Aktion“ (2021-22) kuratiert. Da ich insbesondere auch auf zeitgenössische Kunst spezialisiert bin, sehe ich meine Rolle als Kurator darin, den Wiener Aktionismus mit jüngeren, aktuellen Künstler*innen in Verbindung zu bringen. In der Wiener Dependance „Stadtraum“ im Galerienviertel Schleifmühlgasse zeigen wir mit der Reihe „Project“ zwar ein unabhängiges Ausstellungsprogramm von der Sammlung Friedrichshof, aber ich habe mir dennoch zum Ziel gesetzt, regelmäßig aktuelle künstlerische Positionen zu präsentieren, die aktionistische Züge aufweisen. In diesem Sinne habe ich voriges Jahr „RIOT DESIGN 21/22“ von Pablo Chiereghin und heuer „IRON WATERFALL“ von Marko Marković kuratiert.

Vermisst du Ausstellungen radikaler Positionen im zeitgenössischen Kunstbetrieb?

Ja, wobei sich Radikalität weit fassen lässt. Man kann auch auf rein ästhetischer und/oder konzeptueller Ebene radikal sein, ohne sich unbedingt den Körper aufschlitzen zu müssen. Mag sein, dass sich Künstler*innen nicht mehr Exzessen, die jenen der Wiener Aktionisten ähneln, hingeben oder sich alla Chris Burden in „Performances“ anschießen lassen, aber es würde auch keinen Sinn ergeben, das bereits Dagewesene zu wiederholen. So sehr das altmodisch klingen mag, Aspekte wie Authentizität bzw. Konsequenz sind für mich wesentlich. Wenn Künstler*innen sich nicht von den Moden verführen bzw. zerstreuen lassen, sondern sich selbst treu bleiben und eine ehrliche, tiefgründige Suche in ihrer Arbeit verfolgen, dann ist dies für mich schon radikal genug. Und ich glaube, dass dieser Aspekt völlig auf Marko Marković zutrifft. Die Frage ist allerdings, ob ich als Kurator auch mir selbst treu bleibe und nicht vom Mainstream wollend oder nicht wollend mitgerissen werde.

"Bei der Auswahl von Markos Perfomance-Videos ging es mir dann weniger um den Krieg, sondern darum, den Besucher*innen einige Highlights aus Marko Markovićs radikalem Schaffen zu präsentieren."

Was hat dich zu der Auswahl der im Stadtraum gezeigten Werke von Marković bewogen? Hast du dich gemeinsam mit dem Künstler für die Arbeiten entschieden? Kannst du eure Zusammenarbeit kurz skizzieren?

Ich wollte eine Ausstellung realisieren, die mit dem Krieg in der Ukraine im weitesten Sinne zu tun hat. In meiner engeren Auswahl standen außer Marko Marković eine ukrainische Künstlerin, eine russische Künstlerin, die seit eh und je überaus kritisch gegenüber Putin ist, und ein paar weitere sehr interessante Künstler*innen, die sich mehr oder weniger mit diesem Thema beschäftigen. Im Gespräch mit Hubert Klocker ist schlussendlich die Entscheidung auf Marko gefallen. Gemeinsam mit dem Künstler bin ich dann seine Werke durchgegangen, um eine Auswahl zu treffen. Wobei die Referenz zum Krieg sich am deutlichsten in seiner neuen großen Skulptur bzw. Plastik „Iron Waterfall“ (2022) konzentriert, die von der Sammlung Friedrichshof Stadtraum beauftragt wurde. Gemeinsam haben wir auch eine zweite neue Arbeit in groben Zügen besprochen, die in direktem Dialog mit „Iron Waterfall“ stehen sollte: Marko hat dann „Oblivion“ (2022) geschaffen. Schließlich haben wir im Hauptraum die genannten zwei Werke mit Markos Skulptur „Stone Flower“ (2016) in einer installativen Triade verbunden. Ich weise dazu auf meinen längeren Ausstellungstext hin, den man hier finden kann: Bei der Auswahl von Markos Perfomance-Videos ging es mir dann weniger um den Krieg, sondern darum, den Besucher*innen einige Highlights aus Marko Markovićs radikalem Schaffen zu präsentieren.

Im Hinblick auf Tabugrenzen: Gibt es etwas, das kuratorisch nicht bzw. zu weit geht?

Selbstverständlich! Es wäre naiv zu glauben, dass man unter dem „Label“ der Kunstfreiheit alles darf. Generell würde ich mich an das Gesetz halten und Kunst, die mit illegalen Aktivitäten verbunden ist, nicht zeigen. Wobei das auch nicht ganz so stimmt: Wenn man etwa an Otto Muehls „Apokalypse / Keinen Keks Heute“ (1998) denkt, dann siegte schlussendlich Kunstfreiheit über das Persönlichkeitsrecht, sodass 2007 zum ersten Mal beim Europäischen Gerichtshof für Menschenrechte eine Verletzung der Kunstfreiheit festgestellt wurde. Da Otto Muehl wegen des Films „Servus Papa, See You in Hell“ (2022), der gerade in die Kinos kommt, wieder in aller Munde ist, weise ich gerne darauf hin, dass auf der Homepage der Sammlung Friedrichshof deutlich geschrieben steht, dass Bilder, auf denen der Künstler Opfer porträtierte, aus Respekt vor den beteiligten Personen nicht ausgestellt werden. Dabei erkennt die Sammlung Friedrichshof die Notwendigkeit einer kritischen Diskussion der Übergriffe Otto Muehls an, wobei gleichzeitig auf dem in der Demokratie gültigen Prinzip der Freiheit der Kunst bestanden wird. Die Frage nach den Grenzen des Zeigbaren ist somit eine sehr schwierige und heikle, gerade in unseren Zeiten. Ich glaube, dass ein wesentlicher Aspekt der Diskurs ist. Vielleicht hätte man bei der eben vergangenen documenta Werke nicht zensurieren, sondern den Problematiken in zahlreichen offenen Diskussionen mehr auf den Grund gehen sollen.

"Ich wollte eigentlich Pianist werden und ja, wenn man musiziert, hat man manchmal das Gefühl, mit einer wahrhaftigeren, gar mystischen Ebene der Welt in Kontakt zu treten."

Hast du das Gefühl, dass der direkte körperliche Umgang sowohl in der Produktion als auch in der Rezeption zeitgenössischer Kunst noch eine Rolle spielt? Wenn ja, inwiefern?

Ich gestehe, dass ich diesbezüglich kein Experte bin. Aber ich habe das Gefühl, dass der Körper immer noch eine wichtige Rolle in der zeitgenössischen Kunst spielt. Wie könnte es auch anders sein? Am Ende stecken wir in einem Körper fest. Kürzlich habe ich einen Talk besucht, den Gaudalupe Aldrete (Künstlerin, Performerin und Kuratorin), mit der ich früher zusammengearbeitet habe, im Valie EXPORT Kubus in Wien veranstaltet hat. Es ging dabei um das Thema „(non)motherhood“ im Rahmen der Ausstellung „SMOM Overload -uncensorable-“. Guadalupe und eine der beteiligten Performer*innen, Anja Ibsch, bestätigten mir, dass der Körper sehr wohl eine wesentliche Rolle im performativen Bereich spielt. Aber auch im nicht-performativen Bereich scheint mir der Bezug zum Körper nicht verblasst zu sein. Bei der Ausstellung "PARTY OF A LIFETIME" von Paula Flores, die ich kürzlich für die diesjährige Vienna Art Week kuratiert habe, geht es auch um die Beziehung zwischen dem Körper und der Natur – zum Beispiel in ihrer Performance "Quelites" (2019) schlief die Künstlerin tagelang in einer selbstgefertigten Decke aus Wolle, in die sie Salatsamen gepflanzt hatte, die dank ihrer Körperwärme und Ausdünstungen keimten. Falls wir uns eines Tages in der Cloud uploaden und von einem Körper in den anderen transferieren können, als ob dieser nur eine Art Kleid wäre, wird der Diskurs des Körpers womöglich in den Modebereich relegiert. Oder es geht eher in die Richtung wie David Cronenbergs neuer dystopischer Film „Crimes of the Future“, in dem die zeitgenössische Kunst durch tiefgreifende Manipulationen des Körpers (medikamentös, operativ, genetisch usw.) ihren ultimativen, ekstatischen Moment erfahren wird.

Wie würdest du dein kuratorisches Leitbild beschreiben?

Leider muss ich gestehen, dass ich mir nicht sicher bin, was der rote Faden meiner Arbeit ist. In einem früheren Interview habe ich meinen roten Faden durch die platonischen Begriffe "Das Wahre, das Gute und das Schöne" beschrieben, aber ich wollte ironisieren und vielleicht unbewusst Überlebende des Wiener Kreises provozieren. Vielleicht spielt die Suche nach der Wahrheit eine wichtige Rolle für mich. Ich wollte eigentlich Pianist werden und ja, wenn man musiziert, hat man manchmal das Gefühl, mit einer wahrhaftigeren, gar mystischen Ebene der Welt in Kontakt zu treten.
Als ich in meinen jugendlichen „Wanderjahren“ eine Zeit lang Literatur sowie Philosophie studierte und schlussendlich ein Physikdiplomstudium erfolgreich absolvierte, träumte ich doch irgendwie zu erkennen „was die Welt im Innersten zusammenhält“. Nun weiß ich, dass dies kaum möglich ist: Nicht einmal Genies haben heutzutage die Möglichkeit, den Überblick über ein einziges Fach des menschlichen Wissens zu erlangen, schon gar nicht im Bereich der Physik. Ich habe mir also einen wesentlich zugänglicheren und amüsanteren Erkenntnisweg gewählt: Dank Künstler*innen, mit denen ich zusammenarbeite bzw. deren Werke ich ausstelle, der Interaktion mit unterschiedlichen Persönlichkeiten und Kulturen sammle ich sozusagen Fragmente des menschlichen Seins und versuche mir allmählich dadurch ein genaueres Bild unserer selbst zu machen. Mein Leitfaden könnte also die Suche nach dem Wesen des Menschlichen sein, was aber viel zu hochgestochen klingt.

Was zeigst du als nächstes für eine Ausstellung?

Derzeit plane ich Ausstellungen für die nächsten zwei Jahre. Aufgrund der Pandemie gab es mehrere Verschiebungen und ich versuche nun, Projekte zu verwirklichen, die ich schon seit einiger Zeit geplant hatte, sowie neue Projekte aufzunehmen. Außerdem stehe ich in Kontakt mit dem Direktor eines bedeutenden italienischen Museums, um eine interessante Ausstellung zu kuratieren, die hoffentlich zustande kommen wird. Weiter arbeite ich auch an einem Konzept für eine Institution in Deutschland. Ich möchte diesbezüglich noch vage bleiben. Auf meiner Homepage ( veröffentliche ich regelmäßig meine aktuellen Projekte.

  1. Marko Marković
    Foto Pablo Chiereghin
  2. Marko Marković
    Iron Waterfall, 2022, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  3. Marko Marković
    Iron Waterfall (detail), 2022, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  4. Marko Marković
    Iron Waterfall (detail), 2022, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  5. Marko Marković
    Stone Flower, 2018, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  6. Marko Marković
    Installation view, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  7. Marko Marković
    Performances 2010–2014, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  8. Marko Marković
    Southeast sadness in central Europe, 2021, Sammlung Friedrichshof Stadtraum, Foto Pablo Chiereghin
  9. Marcello Farabegoli
    Foto Hana Usu